La glace brûle aussi…

de/von , et/und - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Français

Bi, dung so ! de Phan Dang Di

De fragiles petites bulles de savon célèbrent le retour du grand-père maladif à la maison. C’est Bi qui lui envoie, et de là se crée une complicité sensiblement traduite par un jeu d’acteur très juste, entre le grand-père souffrant et son petit fils Bi, illustrant brillamment l’innocence. Non seulement la performance de jeu de l’enfant est impressionnante, mais les autres acteurs sont eux aussi poignants dans leur interprétation…

Cet enfant erre entre le monde de l’usine de glace, celui de sa tante pour laquelle il éprouve une attirance particulière, ou encore l’univers rassurant du grand-père… Les personnages sont emprisonnés au sein de ce monde ; les sur-cadrages et les décors oppressants, délabrés, enferment le spectateur dans cette ambiance étouffante. Il fait chaud, les personnages étouffent et tentent de se refroidir avec des ventilateurs présents dans tous les lieux, ou bien avec de la glace fabriquée dans une usine aux multiples tuyaux et cuves immenses…

Bien que ces mondes soient différents, le lien entre tous ces univers est le sexe et le désir. Mais la tendresse et la douceur avec laquelle les cadrages sont marqués viennent contraster avec certaines scènes de sexe bestiales. C’est avec un rythme très lent et fort que le réalisateur suscite une multitude d’émotions. Il arrive à faire ressentir au spectateur l’agonie du grand-père malade en faisant précéder ces scènes de moments sensuels.

Les personnages évoluent et se retrouvent autours de la nourriture, ou encore de la glace, du feu, de la terre et de l’eau. Ces éléments présents tout au long du film ont une valeur symbolique des différents univers dont l’enfant est le lien.

C’est avec une grande poésie que Phang Dang Di nous exprime ses sentiments avec cette œuvre très réussie, mais dont l’histoire devient durant le film de plus en plus floue. Nous sommes plongés dans une ambiance étouffante et glacée, créée par un contraste entre la glace et le feu, entre le grand-père et son petit fils, entre les nuages le soleil, bref, où on se sent comme des feuilles dans la glace…

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Leere Schönheit

de/von et/und - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Deutsch

Bi, dung so! von Phan Dang Di

Bi, dung so

„Thuy“, sagt Bi. „Ich leg mich zu dir.“ Thuy sagt nichts, der Schweiß rinnt ihr über das Gesicht. Sie bewegt sich nicht, liegt ganz still auf ihrem Bett. Bi setzt sich neben sie und seine Kinderhände streicheln über ihre Wangen. Mit dem Zeigefinger tippt er ihr auf die Nase. Bis Tante reagiert nicht. Der Kleine summt vor sich hin und schläft schließlich ein.

Bis Vater ist Alkoholiker und fast nie zu Hause. Seinem kranken Vater möchte er nicht begegnen. Um den kümmert sich Bis Mutter. Sie vermisst ihren Mann, ist einsam und verschlossen. Ihre unverheiratete Schwester Thuy, die Bi sehr liebt, lebt auch bei ihnen.

In dieser Großfamilie führt jeder sein eigenes Leben – Probleme werden totgeschwiegen.

In seinem Film Bi, don’t be afraid! malt der vietnamesische Regisseur Phan Dang Di das Portrait einer zerrütteten Familie. Durch harte Schnitte versucht der Regisseur im ständigen Wechsel die einzelnen Leben der Familienmitglieder abzuhandeln. Die Geschichte wird so sehr langatmig. Der Zuschauer hofft ständig darauf, dass etwas passiert. Nur auf ästhetischer Ebene ist der Film interessant. Dang Di verbindet die Charaktere mit bestimmten Orten. Jeder Figur wird so ein eigenes Umfeld zugeordnet. Bis Lieblingsplatz ist ein großes Feld, im Schilf kann er sich verstecken, die hohen Gräser ragen über ihn hinaus. Sie rascheln und wiegen sich im Wind. Dagegen steht die überfüllte und heruntergekommene Garküche, in der der Vater seine Abende verbringt. Durch diesen Kontrast sind die einzelnen Bilder sehr eindringlich, die Charaktere gewinnen dadurch aber leider nicht an Tiefe.

Das Motiv, das sich durch den ganzen Film zieht, sind Eisblöcke, die in den unterschiedlichsten Situationen auftauchen. Ob sie den abweisenden Vater symbolisieren sollen oder eine Art schmerzlindernde Droge darstellen, bleibt unklar. Auch andere Naturbilder tauchen oft auf, die den Film überladen und unverständlich machen.

Dieses Debüt ist wie ein Stillleben in schönen Farben, aber die Entwicklung der Figuren bleibt auf der Strecke.

Foto: Festival de Cannes/Semaine de la Critique

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Dans la moiteur des âmes

de/von , et/und - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Français

Bi, dung so ! de Phan Dang Di

Bi, dung so

Hanoi, Vietnam. Bi, jeune garçon de 6 ans, assiste aux destins croisés de sa famille. Entre désir inavoué et passion secrète, les personnages se heurtent à leur propre souffrance et finissent par s’emmurer dans la solitude.

C’est avec une fascinante sensualité que Phan Dang Di filme la nature humaine. Tout en subtilité et finesse, son récit met en scène trois portraits de femmes et trois générations d’hommes. Leurs rapports, fondés sur la recherche d’un plaisir inaccessible, s’offrent au regard naïf et tendre de Bi, touche d’innocence au sein d’un monde d’adultes désenchantés. La douleur est là, palpable, oppressante. Elle ronge le grand-père de Bi, revenu mourir au pays après des années d’exil, empêche sa tante de faire le premier pas vers celui qui l’attire, plonge les différents protagonistes dans le mutisme… Le parfum des plantes, la saveur des plats, le silence pesant, l’érotisme des peaux moites, la paisible beauté, tout le film ramène à un cinéma de sensation plus que d’analyse, où chacun erre en quête d’un ailleurs, fait de fantasmes et d’envies.

Bi, dung so ! explore les corps, les livre sans pudeur, les couvre de sueur et d’envie sous-jacente pour au final atteindre les âmes. Etrangers sous un même toit, les membres de cette famille s’ignorent et évoluent en solitaire. Seul Bi fait le lien entre eux, apportant aux personnages l’insouciance et la tendresse de l’enfance qui semblent les avoir abandonnés. Comme l’indique le titre (Bi, n’aie pas peur !), le garçon ne doit pas être effrayé par les Hommes. Fil rouge de l’histoire, il la conclut par le biais d’un regard chargé d’émotion qui nous amène au terme d’un premier film très réussi.

Photo: Festival de Cannes/Semaine de la Critique

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Stille

de/von , et/und - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Deutsch

Bi, dung so! von Phan Dang Di

Bi, dung so

Bo kniet mitten in der Nacht völlig betrunken auf dem Boden der Küche. Für den Bruchteil einer Sekunde trifft sich sein Blick mit dem seines todkranken Vaters. In Bos Augen spiegelt sich Hilflosigkeit wieder. Sein Vater erscheint hoffnungsvoll, bis Bo sich abwendet. Dann verlässt er den Raum. Die Chance auf ein klärendes Gespräch nach Jahren der Stille zerfließt wie das Eis in Bos Händen.

Fehlende Kommunikation ist einer der zentralen Aspekte von Phang Deng Dis Erstlingswerk Bi, dung so!. Lediglich die Hauptfigur, der sechsjährige Bi, ist davon ausgenommen. Faszinierend dargestellt, entdeckt der Zuschauer mit ihm und seiner typisch kindlichen Neugier und Leichtigkeit das exotische Vietnam. Es ist gerade dieser sechsjährige Junge, der das Schweigen bricht, der an den Gefühlen der anderen interessiert ist.

Leider muss er aber auch den roten Faden des Films darstellen, der keiner fortlaufenden Handlung zu folgen scheint, in welchem dem Zuschauer nicht wirklich klar wird, worauf Phang Deng Di abzielt. Ist es die Rolle der Frau? Ist es die fehlende Kommunikation in einer Familie? Oder will er dem Zuschauer nur sein Heimatland Vietnam näher bringen? Durch seltene Musikuntermalung, das Portraitieren von Bis Familie, große Authentizität der Charaktere und einen scheinbar nahezu dramaturgiefreien Handlungsverlauf erinnert Bi, dung so! an vielen Stellen an eine Dokumentation.

Dieser Film bietet zwar durch zahlreiche unbeantwortet gelassene Fragen viel Interpretationsfreiraum, gleichzeitig entsteht jedoch der Eindruck, dass Bi, dung so! ein konkretes Thema fehlt. Genauso wie der letzten Szene die Bilder fehlen, in welcher dem Zuschauer lediglich die schwarze Leinwand und der Ausruf „Hab keine Angst, Bi!“ bleiben.

Foto: Festival de Cannes/Semaine de la Critique

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arte-Video: Der Horror in Cannes

de/von - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Deutsch, Vidéos/Videos

Eine Reportage von Denis Michelis.

Weitere Informationen bei arte.tv.

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arte-Video: Gepflegte Sprache und schöne Kleider…

de/von - 19-5-2010 - Catégories/Kategorien: Deutsch, Vidéos/Videos

La Princesse de Montpensier von Bertrand Tavernier – Eine Reportage von Bertrand Loutte.

Weitere Informationen bei arte.tv.

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Ein Regisseur sieht rot

de/von - 18-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Deutsch

Outrage

Wie die coolsten Schafe der Welt stehen sie da in Maßanzügen, sonnenbebrillt, vor dunklen großen Karosserien, und wissen noch nicht, dass sie auf dem Weg zur Schlachtbank sind. Takeshi Kitano hatte schon immer ein Händchen für schnittige Männergesichter, und wie er seine Kamera ganz zu Anfang von Outrage die Entourage der Gangsterbosse entlang gleiten lässt, hat schon Stil. Das ist ein Katalog der Kitanoschen Fressen. Und die werden alle poliert. Outrage ehrt seinen Titel: Kitano wütet wie niemals zuvor.

Hier eine Auflistung der im Film begangenen Gewalttaten mit Todesfolge: ca. 20 x Hinrichtung durch Handfeuerwaffen; 1 x Strangulierung/Enthauptung durch Seil; 1 x Erstechen (Nieren); 1 x Totprügeln (Fäuste, Eisenstange); 1 x Bombe (Anzahl der Opfer: ein knappes Dutzend). Gewalttaten ohne (direkte) Todesfolge: 3 x abgeschnittener kleiner Finger; 1x abgebissene Zunge; 1 x abgehackte Hand; 1 x Mundhöhlenfolterung mit Zahnarztutensilien; 1 x Essstäbchen in Ohrmuschel gerammt; 1 x Gesicht mit Teppichmesser malträtiert. Außerdem natürlich noch unzählige Prügeleinheiten, mit Schlägen, die dem Publikum in den Ohren sausen. Akustisch geben in Outrage Schüsse, Schläge, Gewimmer und langgezogene Schreie den Rhythmus vor. Gewalt ist hier niemals in Duellform, sondern immer als Hinrichtung/Folter arrangiert: Stärker gegen Wehrlos.

Wer das alles liest und sich nicht gelangweilt hat, der darf auch in Outrage gehen. Drumherum gibt es nämlich durchaus noch den pragmatischen, lakonischen Kitano zu bestaunen, stilvoll, wortkarg, präzis. Aber Vorsicht: Politisch korrekte Gewaltfans sollten bedenken, dass hier auch die rassistischste Darstellung eines Afrikaners seit langem anzutreffen ist, der alte Neger aus den Mongrel-Shows spukt herum: sexgeil, charakterschwach, opportunistisch, korrupt, insgesamt lächerlich.

Also: Kitano will ganz unbedingt klarstellen, dass hier Tabus gebrochen werden, und zwar sehr insistierend. Darin steckt auch ein Kommentar zur Yakuza-Welt: einmal angeworfen, schnurrt die Rachemaschine, bis alles kaputt ist. Und das ist natürlich auch allegorisch auf die kapitalistische Gesellschaft münzbar: Jeder frisst jeden (die Yakuza-„Familien“ sind ja auch so etwas wie mittelständische Unternehmen: autokratisch regiert und bevölkert von steifen Männern in grauen Anzügen in grauen Büros). Und auch ein Kommentar an uns Zuschauer fehlt nicht, wie schrecklich abgestumpft wir sein müssen, uns so was zu geben.

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Ein Polizist. Sechs Drummer. Unendlich viele Instrumente.

de/von et/und - 18-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Deutsch

Sound of Noise von Ola Simonsson und Johannes Stjärne Nilsson

Sound of Noise

„Ich hasse Musik!“, schreit Polizeikommissar Amadeus Warnebring. Dummerweise muss er in seinem aktuellen Fall eine Gruppe von sehr musikalischen Anarchisten bekämpfen. Sechs Drummer halten eine schwedische Stadt seit Tagen mit Schlagzeug und Percussion in Atem – und sorgen dort für Chaos. Ihnen dienen jedoch weder Bass-Drum noch Crash-Becken als Instrumente, sondern Baumaschinen und Skalpelle – auf ihrem Konzertprogramm stehen unter anderem „Doctor! Doctor! Gimme Gas (In My Ass)“ und „Fuck the Music Kill! Kill!“.

Die schwedischen Regisseure Ola Simonsson und Johannes Stjärne Nilsson erzählen in ihrem ersten Spielfilm Sound of Noise eine Geschichte über gute Musik, schlechte Musik und … keine Musik – Stille, wie sie sich der Protagonist wünscht. Mit viel Liebe zum Detail, einigen kurzen, sehr lustigen Szenen, die das Publikum unerwartet überraschen und der Musik als Hauptelement ist es den beiden Schweden gelungen, viele originelle Ideen zu einem humorvollen Gesamtwerk zusammenzufügen.

Während absurde Momente, zum Beispiel ein Senior, der während des musikalischen Banküberfalls fragend auf den Zettel mit seiner Bedienungs-Nummer blickt, die Zuschauer anfangs im Minutentakt zum Lachen bringen, beinhaltet der Film in der zweiten Hälfte aber auch langatmige Sequenzen. Der Fokus fällt auf die Geschichte des Polizisten und wendet sich vom Schwerpunkt Musik ab.

In Sound of Noise heißt es: Altbewährte Klassik gegen experimentelle Percussion. Durch Partituren, die als animierte Cartoons dargestellt werden, sowie als Operation oder Überfall inszenierte Konzerte, wird die Klassik parodiert und die kreative Freiheit der Percussion hochgepriesen. Die Kamera folgt dem Rhythmus der Musik und springt im Takt von einem Musiker zum nächsten, was den Film extrem dynamisch macht.

Simonsson und Nilsson beweisen mit Sound of Noise, dass jede Art von Musik, egal wie traditionell oder revolutionär sie sein mag, ihren Wert hat! Sie wenden sich auf subtile Weise gegen das Schubladendenken unserer Gesellschaft, die sogar in der Musik versucht, Kreativität und Freiheit zu reglementieren. Amadeus Warnebring kümmert das nicht. Er hasst Musik. Jede Musik.

Foto: Festival de Cannes/Semaine de la Critique

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Symphonie silencieuse

de/von et/und - 18-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Français

Sound of Noise de Ola Simonsson et Johannes Stjärne Nilsson

Sound of Noise

Amadeus Warnebring est officier de police. Bercé par la musique depuis sa plus tendre enfance, Amadeus la déteste. Un comble pour un homme dont la mère est concertiste, le père maestro et le frère cadet, Oscar, chef d’orchestre prodige. Sanna, musicienne iconoclaste, s’associe avec cinq percussionnistes hors norme afin de former un groupe dont la ville serait le terrain de jeux et les objets du quotidien les instruments.

Sound of Noise est « un film musical » aux propos anarchiques, qui met en avant la musique contemporaine. Le son conditionne alors l’image. En effet, les réalisateurs suédois, Johannes Stärjne Nilsson et Ola Simonsson ont adapté le scénario à la musique, enregistrée durant quatre années. Cette adaptation particulière produit une originalité dans la mise en scène et offre la possibilité de découvrir ou de redécouvrir un genre de film peu ordinaire. Les cinéastes s’approprient donc un style décalé et jubilatoire.

Après un début sensationnel et fracassant, le rythme va decrescendo provoquant un léger ennui chez le spectateur. Seul bémol de ce scénario. Le dénouement n’est pas à la hauteur d’une première partie dynamique et mouvementée. Le public est à son aise dans cette histoire qui avance à grande vitesse malgré une fin convenue.

Laissez-vous emportez dans cet univers musical et surprenant que nous présentent ces deux réalisateurs animés par leur passion : la musique.

Foto: Festival de Cannes/Semaine de la Critique

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Takt + Lärm = Revolution !

de/von - 18-5-2010 - Catégories/Kategorien: Critiques/Kritiken, Deutsch

Sound of Noise von Ola Simonsson und Johannes Stjärne Nilsson

Tik tok. Tik tok. Das Metronom gibt den Takt vor. Sanna fährt den Van, bewegt sich zum Takt der Drums. Das Bild schwenkt nach hinten. Dort sitzt Magnus. Er schwingt die Sticks. Der Sound ergreift den Zuschauer. Durchflutet den Körper. Dann komplettiert Sanna den Lärm. Sie fährt auf den Seitenstreifen, schaltet in den nächsten Gang. Das Auto dröhnt. Doch es ist kein Lärm. Es ist Musik. Nicht Haydn, aber Musik.

Die schwedischen Regisseure Ola Simonsson und Johannes Stjärne Nilsson lassen die beiden Protagonisten eine ganze Stadt, die sich an nichts anderem als der klassischen Musik orientiert, revolutionieren. „Wir geben dieser Stadt ein Konzert, das sie nie wieder vergessen werden.“ Doch es fehlen noch vier Drummer. Nach einer Auswahl à la Ocean’s Eleven findet sich eine bunte Truppe zusammen, die ihr Leben nicht dem Diebstahl verschrieben hat, sondern dem Beat.

Im Mittelpunkt steht die Abwesenheit von Instrumenten. Denn um eine ganze Stadt zu bekehren, muss das genutzt werden, was sie zu bieten hat.

In vier Aktionen der sechs Drummer erfährt das Publikum eine neue Art von Musik, die eine ganze Stadt ergreifen kann. Im großen Finale ist dies sogar bildlich umgesetzt. Die Musiker nutzen Hochspannungsleiter als Instrument und unterlegen ihre Show „Elektronische Liebe“ mit an den Takt angepassten Lichteffekten.

Simonsson und Nilsson verfolgen keinen Plan, die Schnitttechnik des Films folgt eher dem Takt, dem Takt des Metronoms. Vier Jahre Arbeit stecken in The Sound of Noise. Begonnen wurde mit der Sammlung von Geräuschen und Musik. Dies spiegelt sich leider in der Geschichte wieder, denn abgesehen von der genialen musikalische Grundidee, wirkt der Plot klischeehaft. Im Gegensatz zur Einstellung der Band steht der Polizist Warnebring, der einen persönlichen Hass auf Musik zu haben pflegt und von „Musik komponiert aus Stille“ träumt.

Trotz interessanter Thematik ist der Plot schlicht weg vorhersehbar. Die Kameraführung und die Probleme der einzelnen Figuren erinnern eher an eine mittelmäßigen Fernsehspielfilm, als an großes Kino.

Trotzdem erwarten den Zuschauer 98 Minuten voll mit frechem Humor und experimenteller Musik, die den Film wirklich sehenswert machen.

Das Metronom als Symbol des Taktes ist immer dabei. Denn das ist es, was die Musik vom Lärm unterscheidet. Der Takt.

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