Die 62. Berlinale ist vorbei, und mit ihr auch unsere Tätigkeit als Jury „Dialogue en perspective“. In den letzten zehn Tagen haben wir Unmengen an Filmen gesehen, an Diskussionsrunden und an diversen Empfängen teilgenommen. Wir waren begeistert, enttäuscht, belustigt und verwundert – und das in siebenfacher Ausführung.

Während Menschenmassen sehnsüchtig vor dem Berlinale-Palast auf ihre Stars warteten, Fotografen und Journalisten an ausgesuchten Ecken lauerten und Filmaficionados aus aller Welt ihren Festivalperlen entgegenhechteten, knatterten unsere deutsch-französisch-slowakischen Köpfe auf Hochtouren.

Neben den Filmen der Perspektive Deutsches Kino sahen wir Verschiedenes aus dem Wettbewerb und anderen Sektionen. Wir redeten mit Denis Coté über Bestiaire und seine Vorliebe für Horrorfilme. Ursula Meier gewährte uns Einblicke in ihre Art der Schauspielerführung bei L’enfant d’en haut. Mit Christian Petzold diskutierten wir über Barbara und neue Perspektiven für den Umgang mit historischem Material.

Schließlich mussten wir auch innerhalb unserer Sektion eine Entscheidung treffen. Einige Momentaufnahmen von Interviews und Jurysitzungen sind hier zu sehen:

Fotos: Deniz Sertkol

L’Ours d’Or revient tout naturellement aux frères Taviani avec Cesare Deve Morire, l’un des deux sommets de la compétition, récompensant ainsi un film au propos engagé, et développant une esthétique concrète de l’enfermement pour un mélange entre fiction et réel assez déroutant.

Autre sommet de la compétition, Tabu de Miguel Gomes repart avec le prix Alfred Bauer, qui récompense un travail particulier d’innovation, ce qui est totalement justifié, tant le film invente des moyens narratifs et esthétiques de manière réjouissante. Il est d’ailleurs assez amusant de constater que Cesare Deve Morire et Tabu, par leurs factures originales et la puissance d’invention qui les habitent, auraient chacun très bien pu recevoir le prix qui était destiné à l’autre.

Le grand prix du jury revient au film hongrois Just the Wind, récompense que l’on pourrait interpréter comme un signe politique envoyé à toutes les démocraties d’Europe, puisque le film traite du sort réservé aux Roms.

Côté allemand, nous ne sommes pas en reste puisque Barbara, dont on soufflait un peu partout à la Berlinale que Nina Hoss, son interprète principale, avait de bonne chance de remporter un prix d’interprétation, a finalement reçu le prix du meilleur réalisateur en la personne de Christian Petzold. Ce prix récompense un travail sobre et d’une grande acuité dans la description des rapports humains, pour un récit qui prend place en 1980 dans une petite ville de province allemande sous le régime communiste.

Un prix d’interprétation féminin qui, au bout du compte, revient à la jeune Congolaise Rachel Mwanza (14 ans) pour son rôle de rebelle enrôlée de force dans une milice d’opposants à un gouvernement africain, dans le film de Kim Nguyen du même nom, Rebelle. Rôle très physique et extrême dans sa confrontation à l’horreur de la guerre civile, que le jury a voulu décerner à une actrice pour le moment inconnue.

Si l’épatant jeune acteur de L’Enfant d’en haut (Kacey Mottet Klein) n’a pas été récompensé, le film d’Ursula Meier ne repart pas bredouille de cette Berlinale, puisqu’il lui a été décerné une mention spéciale comme un signe d’encouragement à poursuivre dans cette voie.

Pour finir, le prix pour une contribution artistique extraordinaire revient au travail du caméraman Lutz Reitemeier sur le film chinois White Deer Plain de Wang Quan’an, et nous éviterons de nous étendre sur les deux prix accordés à A Royal Affair (prix d’interprétation masculine et prix du scénario) tant il paraît étrange qu’un tel sommet d’académisme puisse accéder à une double récompense, seule véritable faute de parcours d’un jury qui avait su jusque-là rendre un palmarès équilibré.

This ain’t California

Der Preis „Dialogue en perspective“ des Deutsch-Französischen Jugendwerks bei der 61. Berlinale geht an:

This ain’t California
von Marten Persiel

Die Jury des Deutsch-Französischen Jugendwerks vergibt in der Sektion Perspektive Deutsches Kino ihren Preis „Dialogue en Perspective“ an This ain’t California von Marten Persiel für seine visuelle Kraft und seinen stilsicheren Schnitt. Mit mitreißender Dynamik verbindet er eine persönliche Geschichte mit dem kollektiven Gedächtnis der DDR.
Selten wurde man so großartig manipuliert.

Le prix « Dialogue en perspective » de l’Office franco-allemand pour la Jeunesse au 61ème Festival International du Film de Berlin est décerné à:

This ain’t California
de Marten Persiel

Le jury de l’Office franco-allemand pour la Jeunesse décèrne le prix « Dialogue en perspective » pour la section Perspektive Deutsches Kino à This ain’t California de Marten Persiel pour sa force visuelle et son montage audacieux. En mêlant histoire personelle et mémoire collective de la RDA, il réussit a entraîner le spectateur dans une dynamique forte et enthousiasmante. Nous avons été rarement aussi brillamment manipulés.

Video: Felix von Boehm / bboxxfilme.de

1- D’où vient votre plaisir / désir de cinéma ?

2- Quel regard portez-vous sur le cinéma allemand ?

3- Que représente pour vous l’opportunité de faire partie de ce jury ?

Deniz Sertkol

1- Cela vient de différentes choses. Par exemple, l’oncle de ma mère tenait un cinéma, ce qui fait que mes parents allaient souvent y voir des films, et ils m’ont transmis cette passion. Puis, lorsque je suis entrée à la faculté, j’ai suivi un cours de cinéma. À ce moment-là, j’ai véritablement pris conscience que c’était ma vocation. J’ai étudié le cinéma à Aix-en-Provence, grâce au programme Erasmus, et je dois dire qu’en France, on sent vraiment le poids de l’histoire du cinéma. J’aimerais qu’il en soit ainsi également en Allemagne, car il n’y a pas de vraie culture de cinéma, et j’avoue que cela me manque. Donc je suis souvent revenue en France pour faire des stages, notamment à Arte. C’était très enrichissant. Sinon, j’écris depuis trois ans des articles sur un blog.

2- Je pense qu’il y a beaucoup de potentiel, mais malheureusement, certains obstacles, notamment au niveau du financement des films, empêchent la production allemande de décoller. Il faudrait que le cinéma allemand puisse tenter des choses plus expérimentales. C’est très dur ici de faire des films avec un discours qui ne soit pas conventionnel.

3- Pour moi, c’est comme un rêve qui devient réalité. C’est une expérience intéressante et importante d’avoir face à soi des opinions différentes, qui proviennent d’une autre culture. Ce mélange me procure des émotions très fortes lors des discussions.

Marion Siefert

1- J’ai toujours aimé lire, me raconter des histoires. Lorsque j’étais enfant, je n’avais pas la télévision, donc je voyais très peu de films. Mais dans ma famille, il y avait mon oncle et ma grand-mère qui possédaient beaucoup de cassettes vidéo, et c’est comme ça que j’ai pu commencer à voir une grosse quantité de films. Et puis j’ai commencé à aller au cinéma, et je me suis faite une culture cinématographique de cette façon. En plus, j’ai toujours eu des amis qui adoraient le cinéma, ou qui ont fait des études dans ce domaine, donc nous échangions beaucoup sur ce sujet. Malgré le fait que je n’aie moi-même jamais étudié le cinéma, cela a toujours été mon hobby principal. J’ai également participé à la fabrication de quelques films amateurs et ce, à différents postes.

2- C’est un cinéma que l’on connait finalement assez peu à l’heure actuelle. Ce qui me posait problème d’ailleurs, car j’ai étudié l’allemand et je me suis rendue compte que je connaissais finalement très peu de cinéastes de ce pays, mis à part les classiques tels que Fritz Lang, Murnau, etc. Donc je suis venue l’année dernière à la Berlinale, et j’ai pu découvrir des cinéastes très importants tel qu’Ulrich Köhler. Les films allemands qui sortent en France sont, selon moi, moins intéressants, car ils traitent toujours des mêmes thèmes : la Seconde Guerre Mondiale, la séparation de l’Allemagne en deux blocs, etc.

3- Déjà, c’est une chance extraordinaire de pouvoir assister à la Berlinale, d’avoir accès à tous les films que l’on veut, et de pouvoir rencontrer des réalisateurs. Et puis d’échanger avec les autres membres du jury, cela change vraiment ma perception des films, car je me rends compte que nous avons tous des façons très différentes de voir les œuvres. Juger les films, ce n’est pas simplement savoir dire « j’aime » ou « j’aime pas », c’est surtout pouvoir expliquer son point de vue, le remettre en cause, et c’est à ce titre une expérience d’une grande valeur. Cela pose la question des critères de sélection, de jugement, et de véritablement avoir une grande culture cinématographique. C’est vraiment un rôle difficile.

Phillip Wolf

1- Cela s’est développé sur plusieurs années, il n’y a pas eu vraiment de déclic. Progressivement, j’ai commencé à réfléchir par moi-même sur les films, et à avoir des réalisateurs fétiches comme Jim Jarmusch ou Takeshi Kitano.

2- Je pense que ce sujet est plus ou moins stérile, il faut faire des films comme on a envie de les faire, et ne pas se soucier de leurs nationalités. En tous cas, il ne faut vraiment pas, selon moi, se fixer là-dessus, ou tenter absolument de faire des films qui puissent se vendre internationalement. On peut bien sûr dire que tel ou tel film est influencé par le cinéma italien ou français, mais ce n’est pas le plus important. Je pense qu’on ne doit pas non plus se focaliser exclusivement sur les problèmes de notre époque, il faut aussi de la poésie, et plus de vérité dans une perspective d’absolu.

3- J’aime beaucoup parler des films avec les autres membres du jury, c’est une chose que je voudrais avoir l’occasion de faire plus souvent. Bien sûr, je parle des films avec mon entourage, mais ce n’est pas la même chose, pas le même type de discussions. Jusque-là, je n’ai pas encore beaucoup écrit sur les films, et cette expérience me pousse à vouloir le faire plus, car, lorsque je parle avec les autres jurés, j’arrive à voir les choses autrement.

Video: Felix von Boehm / bboxxfilme.de

Difficiles retrouvailles mère / fille : Noémie Lvovsky et Agathe Bonitzer

Certes le film fut-il inspiré par un fait divers survenu en Autriche (l’histoire de Natascha Kampusch), mais l’intention de s’en démarquer est explicitement exprimée dès le début par un carton. De toute manière, Videau s’attache tellement aux sentiments et au parcours psychologique de ses personnages qu’il n’aurait pu s’aventurer dans une tentative de restitution précise de faits avérés : ce qui se passe dans la tête de Vincent, et surtout dans celle de Gaëlle, est souvent un mystère pour le spectateur. Ce parti-pris de montrer l’avant et l’après évasion, en tentant bien entendu d’établir des liens entre eux (sans que le montage parvienne toujours à se montrer pertinent), produit une configuration émotionnelle complexe.

Enlevée à dix ans, dans des circonstances que – là encore – le réalisateur ne s’attarde pas à mettre en scène et qu’il évoque simplement au détour d’un dialogue, Gaëlle s’est peu à peu faite une raison : Vincent l’enferme dans un monde dont il est l’unique autre habitant, le chef qui établit les règles, le père intransigeant, l’amant potentiel (la question se fait plus entêtante à mesure que Gaëlle grandit dans les flashbacks, comme un grondement). Elle ne l’aimera jamais, lui dit-elle, mais, de fait, ce face-à-face contraint laisse des traces profondes en elle dont elle a conscience avant et après son évasion.

Les moments les plus forts du film sont assurément ceux qui laissent entrevoir ce lien profond. Le court instant d’hésitation de Gaëlle lorsqu’elle court hors de la maison, après que Vincent lui aie délibérément laissé la porte ouverte, est décisif. Lorsque ce lien est explicité par les dialogues, cela peut donner également de belles montées d’émotion : ainsi cette conversation de l’adolescente avec sa mère (Noémie Lvovsky, bouleversante en quelques scènes) où elle lui dit simplement qu’elle ne s’est pas échappée.

Entre ces deux extrêmes – les actes décisifs et la théâtralité des dialogues de certains passages -, le film opte pour une sobriété appréciable dans l’absolu mais qui explique que le tout manque d’émotion. Le jeu tout en retenue d’Agathe Bonitzer ne remporte pas toujours le pari qui le fonde, à savoir nous laisser deviner, dans de nombreux et longs silences, le trouble psychologique du personnage. La trajectoire de l’héroïne, à la puissance de vie telle qu’elle ne porte que peu de jugement moral sur les épreuves qu’elle traverse, peine à trouver son souffle…